Les 2M & Co
CULTURE AVIGNON

Kosh a juste un instrument assez incroyable, sa voix. Et avec ça, il transforme tout ce qui nous entoure en vraie petite partition vivante. Il fait naître des rythmes, des personnages, des ambiances, des histoires, presque à partir de rien. Un bruit du quotidien devient une mélodie, un souvenir prend vie, un simple son devient une surprise.

Très vite, on se laisse embarquer par son énergie super communicative. On rit, on s’étonne, et on reste souvent bluffé par la précision de ce qu’il fait. Mais au-delà de la performance, ce qui touche vraiment, c’est sa générosité. Kosh ne se contente pas de montrer sa technique : il partage surtout un regard drôle, décalé et plein de malice sur le monde autour de nous.

Ce qui fait aussi du bien, c’est cette impression de retrouver un peu son âme d’enfant, celle qui s’émerveille encore devant les petits détails du quotidien. Kosh nous invite à ralentir, à écouter autrement, à redécouvrir des sons qu’on ne remarque même plus d’habitude.

Dans la salle, la complicité avec le public se crée tout de suite. On devient peu à peu partie prenante de ce voyage sonore, prêt à se laisser surprendre par la prochaine idée de cet étonnant « homme-orchestre ».

HPS est un spectacle généreux, drôle et poétique, une parenthèse de fantaisie qui fait vraiment du bien. Une de ces petites pépites du Off qui nous rappelle que le théâtre peut naître de tout, même d’un simple souffle… à condition qu’un artiste sache en faire de l’émotion.

Pascal Les 2 M & Co                                               PDF🖨️

La mise en scène ne laisse pas vraiment le temps de souffler. Tout s’enchaîne avec une belle énergie, les changements de ton passent tout seuls, et on passe de moments très drôles à des passages plus sombres sans jamais sentir de rupture. J’ai aussi beaucoup aimé le mélange entre références mythologiques et univers contemporain, qui donne au spectacle une vraie personnalité. On y trouve à la fois de l’aventure, de l’humour et une réflexion plus fine sur la façon dont on fabrique les héros.

Sur scène, la troupe m’a paru très soudée. On sent un vrai plaisir d’être là, une générosité de jeu qui arrive tout de suite jusqu’au public. Chaque interprète apporte sa présence, son énergie, et participe à faire exister l’ensemble avec conviction. C’est sans doute ce qui rend le spectacle si attachant : il ne se contente pas de raconter une histoire, il la fait vivre avec sincérité.

Au-delà du côté divertissant, Hercule m’a aussi touché par ce qu’il dit de la mémoire, de la justice, de la responsabilité et de la difficulté à démêler le vrai du récit qu’on construit autour des figures héroïques. Le propos reste léger en apparence, mais il laisse passer des questions très actuelles, sans jamais alourdir l’ensemble.

Hercule réussit à mélanger spectacle populaire, humour et émotion, tout en apportant un vrai souffle neuf à un mythe qu’on pensait connaître.

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Avec beaucoup d’humour, une belle dose d’autodérision et une grande délicatesse, elle donne vie à une galerie de personnages auxquels on s’attache immédiatement. Les performances aériennes ne sont jamais de simples prouesses techniques : elles prolongent le récit et rendent presque palpables les émotions. Elles disent les hésitations, les élans, les vertiges, tout ce qui accompagne un chemin de vie quand on décide de le réinventer.

La mise en scène de Laurent Gachet accompagne avec justesse cette traversée intime, tandis que la musique de David Gubitsch apporte une respiration supplémentaire à l’ensemble. J’ai particulièrement apprécié cet équilibre entre légèreté, poésie et profondeur, qui permet au spectacle de rester proche du public sans jamais perdre en intensité.

On ressort de De l'air ! avec le sentiment d’avoir partagé bien plus qu’un spectacle : une rencontre. Celle d’une artiste qui transforme son histoire personnelle en invitation à écouter sa propre voix, et à croire que les plus beaux élans commencent parfois par un simple saut dans le vide. Une parenthèse lumineuse et inspirante, à découvrir au Festival Off d’Avignon.

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Tout commence comme un récital. Trois cantatrices s’apprêtent à offrir au public un concert d’exception, accompagnées de leur pianiste. Puis, peu à peu, les susceptibilités s’invitent, les rivalités s’exacerbent et les petites piques se transforment en véritable règlement de comptes.

J’ai aimé cette montée en tension, presque imperceptible au départ, qui fait basculer les grands airs lyriques dans une comédie délicieusement débridée.

Ce qui m’a particulièrement plu, c’est l’équilibre trouvé entre humour et exigence musicale. On rit beaucoup, mais jamais au détriment de l’opéra. Bien au contraire : les interprètes font preuve d’une belle maîtrise vocale, et chaque morceau est porté avec autant de précision que de générosité. Même sans être un habitué des scènes lyriques, je me suis laissé embarquer avec un vrai plaisir.

La mise en scène de Gabrielle Gay joue avec les codes du récital pour mieux les détourner. Les situations s’enchaînent avec un sens du rythme impeccable, les regards en disent parfois plus que les mots, et le burlesque surgit là où on ne l’attend pas. J’ai aussi apprécié la finesse avec laquelle le spectacle évoque les rivalités artistiques, les ego parfois démesurés et cette envie très humaine d’être reconnu.

Le public ne s’y trompe pas. Les rires fusent, les applaudissements ponctuent les grands airs et l’on sent une véritable complicité entre la scène et la salle. C’est communicatif, généreux et terriblement vivant.

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À la fois tendre et acide, drôle et profondément émouvante, Exit raconte l'usure progressive d'une relation qui ne vole pas en éclats dans un fracas spectaculaire, mais se délite lentement sous l'effet des minuscules abrasions du quotidien. Les petites contrariétés s'accumulent, les malentendus grandissent, les piques lancées sans y penser finissent par laisser des blessures bien réelles.

Ce qui nous touche avant tout dans cette pièce, c'est sa portée universelle. Chacun peut y reconnaître un fragment de sa propre histoire, qu'il s'agisse d'une relation amoureuse, familiale ou amicale.

L'originalité de l'écriture tient notamment à la coexistence permanente entre les paroles prononcées et les pensées intérieures des personnages, qui viennent aussitôt les contredire avec un humour souvent irrésistible. Ce décalage révèle toute la complexité des relations humaines. Le chassé -croisé temporel, qui navigue avec une grande fluidité entre différentes époques, est porté par une mise en scène précise et resserrée où les silences deviennent de véritables partenaires du texte, renforçant tantôt l'attente, tantôt le malaise.

Paravidino observe l'amour avec une précision presque chirurgicale, mais jamais avec cruauté. Son regard demeure profondément humain, tendre et empreint d'une délicate ironie envers ses personnages. Cette chronique d'une séparation annoncée s'inscrit dans une scénographie épurée, réduite à l'essentiel, laissant toute sa place à la mécanique des dialogues et à l'intelligence du texte.

Servi par d'excellents comédiens, dont le jeu sobre, subtil et nuancé donne toute sa profondeur aux personnages, Exit s'impose comme une pièce aussi accessible qu'intelligente, capable de faire sourire autant que de bouleverser.

Comme le rappelle Fausto Paravidino : « Le théâtre est l'endroit où l'on peut parler de tout, où l'on peut poser les questions que l'on n'ose pas poser ailleurs. C'est un espace de liberté, de réflexion et de confrontation. » Une définition qui résonne parfaitement avec cette œuvre, aussi intime qu'universelle.

Michelle -invitée des 2M & Co                                      PDF🖨️

Un jardin, une table, deux chaises, une carafe d’eau et deux verres…

 Il n’en faut pas plus pour basculer dans un autre monde.

Est-ce celui de la poésie ? Celui de la rencontre avec l’Autre, ou d’un rendez-vous mystérieux avec son propre double ? ? 

François CERVANTES auteur et metteur en scène, Catherine GERMAINE et Arletti – le clown avec qui elle vit depuis plus de quarante ans – vont prendre la parole, ils vont converser pour aborder une question vertigineuse : peut-on prétendre à l’art avec des corps sur scène ? 

Au-delà de cette interrogation, le trio nous parle de nos vies, de la nature qui nous entoure et de ces clowns intérieurs qui habitent en nous et sont "condamnés" au silence.

 La voix de l’auteur, chaleureuse et posée, enveloppe le public d'une bienveillance lumineuse.

On écoute, captivé. Puis, Arletti fait son entrée. Instantanément, les corps se détendent, les rires fusent et le bonheur s'installe. Elle est si belle, si attachante, et semble si sincèrement heureuse de nous voir ! Un moment suspendu, inoubliable.

Ne passez pas à côté de cette merveille : courrez-y absolument. Vous en sortirez le cœur léger, empreint d’un bien-être et d’une profonde joie intérieure.

« Pendant toutes ces années, j’ai cherché la parole, je vous ai cherchés, vous ». François CERVANTES 

Marie - Les 2M & Co                  PDF : 🖨️

Laure DEHORTER adopte une mise en scène sobre, assistée d’un écran  (à des fins didactiques ou pour planter le décor) pour évoquer les violences faites aux  femmes..

Elle laisse ainsi la place aux 2 comédiens Angélique LHERAULT et Olivier TROYON qui tous les personnages avec brio.

 Le spectacle ne porte pas de jugement et ne simplifie pas. Les personnages sont profondément humains : la pièce montre les hésitations, les retours en arrière quand il est question de porter plainte ou de partir, mais aussi les premiers pas vers la reconstruction.

Les moments dansés donnent une respiration et soulignent les blessures invisibles que portent les victimes. La proximité avec les comédiens renforce l’intensité du spectacle.

Si les contextes historiques, les lois et les mentalités évoluent, les mécanismes de domination demeurent d’une troublante permanence et la société tente de faire face à ce fléau mais il reste du chemin à parcourir.

Une pièce choc, poignante, très documentée qui envisage des solutions.

Une pièce choc, avec un formidable impact, poignante et très documentée qui propose des solutions.

 Une œuvre à propos d’une triste actualité qu’il faut regarder en face. Un spectacle engagé porté par une sincérité émouvante, dont on ne sort pas indemne, à voir absolument.

Pascale - Les 2M & Co     PDF🖨️

Il est des pièces qui parlent de la mort , d’autres qui parlent de la vie. Jeanne parvient à faire les deux avec une rare délicatesse.

Deux temporalités se superposent : une histoire d’amour qui se raconte et une qui s’écrit.

Une très belle scénographie simple et aérienne souligne le climat de la pièce.

Le récit navigue entre présent et souvenirs, réalité et limbes sans pour autant perdre le spectateur qu’il emporte vers une émotion sincère.

L’humour aussi a sa place, il permet une respiration face au deuil, à la culpabilité et aux choix qui façonnent une vie.

Le quatuor de comédiens, Bastien BAUVE, Florine PARIS, Jonathan ELALOUF et Eva MOUSTROU, fait preuve d’une belle justesse alternant avec naturel les instants de

 légèreté, les élans naturels et les blessures intimes.

Jeanne est l’image d’êtres profondément humains, vulnérables, avec leurs contradictions, capables du meilleur comme du pire, qui aiment sincèrement mais échouent à être à

 la hauteur.

Cette jeune création, écrite par Eva MOUSTROU et mise en scène avec Agnès BROSSAIS, explore les thèmes de l’amour, de la mémoire, du deuil et de la maternité et du

choix de vivre.

C’est une proposition sensible et séduisante par la sincérité de son écriture et la générosité de son interprétation.

La pièce fait la preuve que le théâtre peut émouvoir sans grandiloquence en racontant des êtres humains en prise avec l’essentiel.

J’ai quitté la salle remplie d’émotion, pas tout à fait indemne, en prise avec mes propres élans et mes renoncements mais profondément heureuse d’avoir vu la pièce.

Allez-y sans hésiter pour rencontrer cette jeune compagnie émergente et prometteuse.

Pascale - Les 2M & Co

Piaf est déjà une immense vedette, au sommet de sa gloire. Entourée, admirée par les plus grands, elle se montre volontiers autoritaire, parfois capricieuse. Elle ignore, ou traite avec une certaine condescendance, la jeune femme qui fait la plonge au cabaret : Mademoiselle Brody. À 21 ans, celle-ci rêve de devenir pianiste et chanteuse. Elle n'a d'yeux que pour la Môme Piaf.

Un soir, alors que l'artiste précédent est absent et que Piaf refuse de monter sur scène avant l'heure prévue, la jeune serveuse la remplace au pied levé. Elle ose même interpréter l'une de ses chansons.

Vexée, Piaf interrompt l'audacieuse. Mais, piquée au vif autant qu'impressionnée par son culot, elle engage la conversation avec son admiratrice. Peu à peu se tisse un dialogue fait de conseils, de confidences, de pudeur, d'humour, de force et de fragilité. Une complicité inattendue naît entre ces deux femmes que tout semble opposer.

Au-delà du bonheur immense de réentendre leurs chansons et leurs textes, ce qui m'a touchée profondément, c'est la délicatesse avec laquelle le spectacle dévoile leurs personnalités, leur rapport à la musique, à l'amour et à la vie.

Il faut souligner le plaisir d'entendre les mots de nos deux dames en noir – la petite Môme et la longue Dame brune – magnifiquement incarnées par Charlotte Marciano (Piaf) et Romane Minguet (Barbara). Elles ne cherchent jamais l'imitation : elles habitent leurs personnages avec une proximité et une sensibilité remarquables, s'appropriant leur phrasé, leur vibrato, leurs intonations. C'est tout simplement bluffant.

La magie opère merveilleusement grâce au cadre idéal du Théâtre du Rouge Gorge, dont la scène à deux niveaux offre un écrin parfait aux comédiennes comme aux musiciens, qui accompagnent les deux interprètes avec un talent exceptionnel.

Au final, Le Piaf noir est un voyage nostalgique, un hommage délicat et profondément émouvant à deux immenses figures de la chanson française. Un spectacle qui nous ravit, nous bouleverse et nous rappelle, avec grâce, combien leurs voix et leurs mots demeurent intemporels.

Michelle invitée des 2 M & Co                       PDF🖨️

Tourette et alors?...

Nathalie est époustouflante, pleine de vie et d’énergie, elle nous offre un délicieux spectacle plein d’humour et de générosité. Avec sa gouaille de Marseille et sa pétulance communicative, elle nous embarque, on a envie de la prendre dans ses bras.

Tout est vrai dans ce qu’elle nous livre d’elle sans filtre, sa vie chahutée par la maladie identifiée tard. Elle nous partage ses « péchés », ses amours, sa famille chaotique, ses aventures improbables, sa façon de cohabiter avec le syndrome de Gilles de la Tourette.

C’est une tornade, une femme qui pétille et se livre avec dérision. C’est un grand cœur qui illumine la scène, nous éclabousse de bons éclats de rire et de vie vécue à pleins poumons.

Le message est clair, la vie est belle, il faut la croquer à belles dents. Aujourd’hui Nathalie est comédienne et référente auprès de la médecine pour le syndrome de la Tourette.

Une formidable leçon de vie !

C’est un spectacle poignant et profondément humain à ne pas rater.

Pascale - Les 2M & Co

Rose, d’un ton léger et attendrissant, raconte son enfance. D’origine modeste, née dans un petit village de l’Isère, elle était destinée à devenir institutrice, un noble métier selon sa mère. Ce sont ses excellents résultats scolaires, ses dons exceptionnels pour le dessin et déjà son intérêt pour les arts qui vont inciter son institutrice à convaincre ses parents de l’inscrire à l’école des Beaux-Arts de Lyon.

Son destin est tracé et, des années plus tard, elle entrera dans l’histoire en devenant une résistante de l’ombre au profit de l’État français. Témoin impuissante de la spoliation de notre patrimoine culturel par les SS, elle prend des notes en phonétique sur ses petits carnets, y consignant des renseignements ultra-précis comme les mesures, les descriptions et les destinations prévues, qui permettront d’en retrouver la trace et de les restituer à leurs propriétaires.

La comédienne donne vie à son personnage, nous partageant quelques anecdotes sur l’histoire des tableaux, dont l’emblématique Les Tournesols de Van Gogh, mais aussi ses indignations à propos de l’exposition de 1937 à Munich sur « l’art dégénéré » ou encore le pillage organisé par Göring lors de la beuverie le jour de son anniversaire.

Elle y incarne une Rose humble, vibrante, courageuse, bouleversante quand elle dépose symboliquement sur les tableaux un voile noir, en mémoire des autodafés commis par les nazis.

La scénographie, sobre et évocatrice, joue avec les lumières et les sons. On bascule d’une ambiance douce à une froideur glaçante, et les bruits de fond du train ou du feu qui dévore les tableaux nous immergent entièrement dans le récit.

Une interprétation magistrale, un texte puissant qui délivre un message de résistance pour sauver la mémoire et l’identité face à la barbarie.

Yolaine-Les 2M&Co

La pièce est écrite à quatre mains par Josépha SINI et Laurène HURST.

Un coup de force théâtral, bouleversant autant qu’hilarant. La formidable comédienne, Josépha SINI, parvient avec un humour incroyable à mettre une distance avec son enfance chaotique. Elle retrace les « aventures  rocambolesques » d’une petite fille avec force mimiques et glisse parfois vers l’imaginaire et la fiction.Entre éclats de rire et sidération, l’humour devient un moyen de survie pour surmonter le tragique, trouver une dimension universelle et libérer une parole trop souvent retenue.

Avec une présence scénique impressionnante, Josépha SINI passe d’un personnage à l’autre avec une énergie et une précision qui nous subjugue et nous captive.

Un spectacle à la fois intime (marqué par la pudeur du regard sur la relation mère-fille) et universel raconté avec une sincérité bouleversante : derrière les éclats de rire, les silences et les manques, l’amour persiste.

Les histoires familiales n’ont pas toujours de réponses mais nous construisent encore longtemps après les évènements.

Premier spectacle d’une belle maturité drôle et poignant, profondément humain qui révèle une artiste prometteuse.

Offrez-vous ce seul en scène époustouflant qui ne vous laissera pas indemne.

Pascale - Les 2M & Co             PDF🖨️