Les 2M & Co
CULTURE AVIGNON

Écrite et interprétée par Lydia Cherton, cette pièce est une confidence murmurée, un poème dramatique, une traversée intérieure où la beauté naît des failles.

Dès les premiers instants, on sent que La Force du coquelicot ne cherchera pas l'effet, mais l'authenticité. Le décor est simple, minéral. Un vélo renversé. Une jeune femme à terre. Un homme qui s’approche. Il s’appelle Félix. Elle, Julie. Ils ne se connaissent pas.

Le dialogue qui s’engage entre eux oscille entre le réel et le symbolique, le visible et l’indicible. Peu à peu, les mots pansent les silences, et les fêlures deviennent langage. Le coquelicot — cette fleur qui pousse sur les terrains blessés — devient alors un magnifique motif poétique : celui de la résilience discrète, mais puissante.

Le texte de Lydia Cherton est d’une grande précision poétique, sans jamais tomber dans l’abstraction. Chaque phrase semble polie par l’émotion, comme un galet façonné par l’eau du temps. Il y a là une attention rare au rythme, au souffle, à la densité du non-dit. La langue épouse les contours de l’âme, avec douceur et pudeur.

Certaines répliques résonnent longtemps après la représentation. Comme un murmure intérieur. Comme une blessure qui cicatrise.

Sur scène, Lydia Cherton (Julie) et Julien Joerger (Félix) incarnent avec une grande sensibilité ces deux êtres suspendus au bord du vide. Les regards, les silences, les ruptures de ton sont autant d’ondes fines qui traversent le public.

On est ému sans qu’on nous y force, pris par la main sans jamais être tiré. C’est là l’élégance rare de cette pièce : elle fait confiance à notre intelligence sensible.

La mise en scène de Bruno Banon est d’une belle retenue. Elle sait se faire oublier pour mieux révéler la profondeur du texte et du jeu. Les lumières, le décor projeté discret et organique, forment un univers onirique, presque méditatif. Tout est là pour accompagner, sans envahir.

Pascal les 2 M & Co

Brisant le quatrième mur dès les premières minutes, elle s’adresse à nous avec une sincérité désarmante.

Le récit prend la forme d’une confidence, intime et pudique à la fois, d’une femme autrefois veuve, respectable et malheureuse, qui croise à Monte-Carlo un jeune homme rongé par le démon du jeu. Entre eux, une rencontre improbable, fulgurante, presque irréelle.

Elle est fascinée par ses mains, par leur fièvre, leur grâce quasi surnaturelle au-dessus du tapis vert. Lui, prêt à tout perdre, jusqu’à sa vie, s’il doit renoncer à sa passion destructrice. Elle, animée d’un désir profond — peut-être le dernier — de le sauver.

La mise en scène, sobre mais d’une  intelligence visuelle originale, s’appuie sur des projections vidéos subtilement intégrées : gros plans sur le jeu des mains dansant sur le tapis, castagnettes  des jetons, lueurs du casino, autant d’éléments qui enrichissent le propos sans jamais le surcharger.

Une bande sonore inventive accompagne les émotions, avec des trouvailles comme ce tambourinement des ongles sur un djembé évoquant la pluie — ou peut-être les battements d’un cœur qui s’emballe, ou  du temps qui  s accélère....

Les variations de rythme, les ruptures de ton, participent de cette immersion dans un univers intérieur en pleine tempête. Le jeu de l’actrice est  touchant  : son visage expressif, son regard habité, ses silences éloquents dessinent une femme en pleine mise à nu, oscillant entre pudeur et abandon.

24 heures est un joli moment de théâtre, sensible et sincère, porté par une comédienne investie et une mise en scène délicate. Un spectacle qui touche .

Michelle invité des 2 M & Co

Le duo d’acteurs fonctionne à merveille : le rythme est soutenu, les dialogues claquent, et l’humour, souvent mordant, fait mouche.

On rit, on sourit, on reconnaît parfois ces petits chaos du quotidien qui nourrissent — ou entravent — la création artistique. 

Mention spéciale au partenaire de scène, impeccable de justesse, qui équilibre avec subtilité l’énergie débordante de l’écrivaine, un peu trop appuyée par moments dans ses accès d' irascibilité.

Si la mécanique dramatique est bien huilée et l’écriture efficace, la chute de l’histoire, un brin attendue, n’enlève rien au plaisir que l’on prend tout au long de cette comédie vive et intelligente. Un joli moment de théâtre, qui sans révolutionner le genre, rappelle avec esprit que l’inspiration se cache parfois là où on ne l’attend pas.

Pascal les 2 M & Co

Le décor, à la fois brut et sublime, évoque un no man’s land post-apocalyptique : carcasses de voitures rouillées, fourches tronquées, dessinent un paysage mental  " de rouille et d'os", à la fois organique et métallique, où trône — ou plutôt survit — un "trône de fer" efflanqué, misérable, symbole de la vanité du pouvoir. Le lieu lui-même — la salle du Roi , ancienne chapelle  du XV -ème siècle, encore dans son jus— semble avoir été conçu pour accueillir ce cauchemar shakespearien, renforçant l'impression d’être pris au piège dans les méandres psychotiques de Richard.

À un rythme haletant, scandé par une musique électro-rock puissante et obsédante, le texte retrouve une acuité politique saisissante. Manœuvres, trahisons, assassinats méthodiques : tout dans la trajectoire de Richard résonne étrangement avec les dérives du pouvoir contemporain. C’est une marche funèbre, une lente — mais de plus en plus précipitée — descente aux enfers qui s'accélère jusqu’au chaos.

Les costumes, faits de cravates cousues ensemble, sont une trouvaille visuelle remarquable. Objets du quotidien masculin, symboles de l’autorité et de la réussite sociale, ils deviennent ici tissus d’emprisonnement, nœuds coulant sur les ambitions de chacun, linceuls colorés d’une humanité corrompue.

Mais ce qui emporte tout, c’est l’interprétation. Portée par cinq comédiennes éblouissantes, la pièce devient un tour de force théâtral. Chacune navigue avec maestria entre les rôles, les genres, les registres. Leur jeu intense, parfois presque hystérique, mais toujours juste, fait ressortir la force dramatique du texte tout en y injectant l’humour grinçant, la distance ironique et le grotesque si chers à Shakespeare. Mention spéciale à Alexiane Torres : sa voix rauque, profonde, semble venir d’un autre monde. Elle incarne un Richard terrifiant, magnétique, autant qu’il est repoussant.

En sortant, une question nous hante : sommes-nous vraiment si éloignés de ces monstres que nous croyons appartenir au passé ? Le miroir tendu par Shakespeare, dans cette mise en scène audacieuse et viscérale, nous renvoie à nos propres contradictions, à la noirceur tapie sous le vernis du pouvoir.

Un chef-d’œuvre sombre, dérangeant et nécessaire.

Michelle invitée des 2 M & Co

C’est à travers le regard des enfants que l’histoire est racontée empruntant à la fois leurs mots et leurs visions du monde, oscillant entre candeur et une maturité déconcertante.

Sur le plateau trois comédiens et un musicien qui, avec une création musicale très originale, accompagne le récit.

Le propos de la pièce est de parler des relations parents -enfants dans des situations où l’adulte est fragilisé et où l’enfant devient plus protecteur que protégé.

Le personnage de ASSA à la fois actrice et narratrice nous amène à nous questionner sur le regard que porte sur nous nos enfants et quelle part de l’hérédité familiale nous leur transmettons.

Cette pièce à double lecture s’adresse à un large public .Les éléments scénographiques blancs, jusqu'aux costumes, font preuve d'une recherche esthétique originale. L’utilisation du théâtre d’ombres crée une ambiance étrange, mystérieuse et poétique à la fois.Les changements de décor s’intègrent parfaitement dans le jeu des comédiens. Ils servent les transpositions de lieux mais aussi le rôle de la grand-mère, cette femme du terroir au bon sens populaire bien ancrée dans la réalité.

C’est dans un jeu d’une intensité bouleversante que ASSA nous livre, ses doutes, ses angoisses de petite fille qui, pour nous adultes, prennent forme de questionnement existentiel.

La scène du cauchemar est particulièrement bouleversante et fait sens dans cette histoire de transmission inter générationnelle.

 Les comédiens sont prodigieux, ils donnent énergie et puissance au spectacle qui reste léger, drôle et sensible à la fois

.Les apparitions de Yasmine toujours fracassantes apportent de la vivacité, celles de Diego du mystère.

L’écriture, sous la plume de CHARLES MAUDUIT, aborde aussi les grands thèmes de l’amitié, de la parole libératrice, de la personne ressource qu’on trouve sur son chemin. Un message d’espoir sur un sujet grave, pas souvent abordé, où l’intention n’est pas de donner des solutions faciles mais de laisser la porte ouverte à l’aide qui peut arriver sous forme « d’une main tendue ».

Plus qu’une semaine pour aller les voir et retenez bien le nom de cette compagnie elle est prometteuse!

Yolaine-Les 2M & Co

Le récit est émaillé des célèbres chansons de Cesaria EVORA 'Petit Pays' Sodade’....ainsi que Morna ,Coladeira, Funana. Magda  DESRUISSEAUX  incarne Cesaria, Cise, de sa voix envoûtante et joue son rôle avec finesse et une grâce chaloupée. Une réelle complicité rayonne avec les deux musiciens.

Avner CAMUS PEREZ, par son écriture pudique et tendre, rend hommage à Cesaria EVORA, à son talent immense trop longtemps ignoré.

Il retrace son enfance pauvre dans une famille de 7 enfants . On la voit débuter à 16 ans à Mindelo,  répertoire traditionnel de la musique capverdienne avec son fidèle guitariste. On découvre sa timidité farouche, sa candeur sauvage, son humour, sa joie, son amour pour la scène , son parcours laborieux et ébréché d’artiste. Il lui faudra attendre bien longtemps pour connaître la renommée internationale . 

 Avner CAMUS PEREZ ajoute une note personnelle émouvante à la piece : « Je l’ai côtoyée pendant dix ans, bien avant qu’elle soit connue, elle a bercé mes enfants » nous confie t’il. Il lui concocte avec cette pièce un bel hommage vibrant.

Ne manquez pas ce petit bijou pour retrouver la Divine Diva, sa tendresse insulaire et vous laisser vibrer au son de sa voix.

Pascale - Les2M & Co

Porté par la voix off d’une petite fille, ce voyage intérieur explore avec une justesse bouleversante le tumulte des émotions.

Joie, peur, colère, tristesse, émerveillement : tout est là, exprimé avec grâce, sans jamais sombrer dans le didactique ou le convenu.

Au contraire, le spectacle parle aux cœurs et aux sens, sans détour ni artifice.

Les projections lumineuses, les peintures soyeuses, les jeux d’ombres et de lumières construisent un univers visuel d’une rare finesse. Le ciel s’invite sur les murs, la mer s’étire dans un souffle, la pluie murmure, la peur du loup surgit d’un coin d’imaginaire...

Et puis, il y a ces exclamations drôles, inattendues, qui font éclore les sourires. Tout rebondit, tout respire, tout vit – sous les yeux émerveillés des enfants et sous le regard attendri de leurs parents.

Et que dire de l’explosion finale des couleurs ? Un arc-en-ciel d’émotions, une apothéose sensorielle qui vient conclure ce moment suspendu avec une intensité lumineuse. On sort de "Dedans moi" un peu sonné, le cœur gonflé, comme après avoir reçu une caresse ou un secret précieux.

Un spectacle rare, où l'on touche du doigt la poésie pure.

Un petit bijou de sensibilité, un instant de grâce qui réconcilie avec le monde – et avec soi-même.

Michelle invitée des 2 M & Co

Ce qui frappe, au-delà de la sincérité du texte, c’est la complicité entre les deux artistes. La musique, présente tout au long du spectacle, ne se contente pas d’accompagner : elle dialogue avec les mots, les soutient, les prolonge. Un regard, une respiration, une note – tout est écoute.

Autre force du spectacle : les vidéos d’archives projetées en fond de scène. Entre films familiaux et actualités d’époque, elles donnent chair à l’histoire et inscrivent l’intime dans une mémoire collective, coloniale et postcoloniale.

La mise en scène sobre et délicate de Gad Bensalem laisse toute la place à l’émotion.

On ressort ému, touché, apaisé. Un spectacle humble, juste, profondément humain.

Pascal les 2M&Co

Le titre donne le ton : ici, pas de jargon universitaire ni de théorie sur la prison, la réinsertion ou la fonction savante du regard. Juste une femme qui entre en détention avec des reproductions de tableaux sous le bras, pour animer des ateliers d’écriture. Et ce sont les voix des détenu·es qui prennent le relais : leurs réflexions, leurs émotions, leurs souvenirs déclenchés par un Van Gogh, un Hopper ou un Basquiat.

Caussimon, seule sur scène, nous restitue ces fragments de pensée avec une douceur désarmante. Elle incarne, sans forcer, ceux qui souvent n’ont jamais pris la parole en public. Il ne s’agit pas de jouer à leur place, mais de porter leur voix. Et ça bouleverse.

Le dispositif est simple : des images projetées, une comédienne, et les mots récoltés. Mais la magie opère. Parce qu’il y a dans ces textes une fulgurance inattendue. Un détenu voit dans un tableau un souvenir de jeunesse volé. Un autre invente une histoire d’amour à partir d’un détail. Ce qu’ils perçoivent des œuvres est profondément singulier — parfois drôle, parfois tragique. Mais toujours profondément humain.

Ce regard décalé, éloigné des codes muséaux et des interprétations savantes, redonne au geste artistique toute sa vitalité première : celle de créer du lien, d’éveiller une émotion, de provoquer une pensée.

On pourrait reprocher au spectacle son absence de dramaturgie classique. Pas d’intrigue, pas de montée dramatique, peu de ruptures rythmiques. C’est vrai. Mais ce serait passer à côté de l’essentiel : Je n’ai pas lu Foucault est une écoute mise en scène. Une tentative délicate de faire place à des voix qu’on n’entend jamais, sans les trahir.

Il y a quelque chose de profondément apaisant dans ce refus du spectaculaire. Le théâtre ici ne cherche pas à « faire », mais à transmettre. Et ça, c’est rare.
Si vous êtes curieux·se d’un théâtre de l’intime, d’une forme douce et dépouillée qui interroge notre manière de regarder les autres et les œuvres, Je n’ai pas lu Foucault est un petit bijou d’humanité à découvrir.

Pascal les 2M&Co

Ici, pas besoin de mots : les gestes, les regards, les situations suffisent à tout dire. Inspirés par le mime, le burlesque et le clown, les artistes nous embarquent dans un quotidien sublimé où les petits riens de la vie deviennent des moments de comédie universelle.

Le public est emporté par une succession de tableaux drôles et touchants, où chacun peut se reconnaître.

Les comédiens font preuve d’une maîtrise impressionnante du langage non verbal, et leur synchronisation est parfaite. On sent une complicité forte entre eux, une vraie écoute, et une envie de partager un théâtre sincère et accessible à tous.

Papy Mamie est un spectacle sans paroles… mais avec énormément de choses à dire. Un moment poétique, drôle, et profondément humain, à ne surtout pas manquer pendant le festival.

Pascal les2M&Co

Tous les ingrédients sont là pour faire de cette pièce une splendeur – musique live envoûtante par 3 musiciens/chanteurs sur le plateau – magnifique scénographie élégante, épurée et très esthétique -mise en scène d’exception où tout se passe sur le plateau – 8 comédiens de talent se partagent les rôles à  un rythme cadencé. CLÉOPÂTRE peut alors prendre toute sa dimension ( même si elle est la comédienne la plus petite sur scène!) à  la fois femme moderne, amoureuse , mère et personnalité politique d’exception, brillante et visionnaire. 

Nous assistons aux scènes de la vie quotidienne, CLÉOPÂTRE baigne son enfant avec CÉSAR …. nous croisons aussi les rouages du pouvoir, les complots et découvrons l’humanité de cette femme d’exception écartelée entre ses luttes personnelles, ses doutes et sa destinée. Indépendante, rusée, sauvage,dominante et capable de manipuler des hommes puissants CÉSAR et MARC ANTOINE, la LOUVE est aussi  le symbole de Rome à laquelle elle s’oppose mais sur laquelle elle règne dans le cœur de ses dirigeants.

Réservez vite cette pièce qui remporte déjà un franc succès, vous allez être émerveillés, subjugués par sa beauté, touchés par cette figure de la puissance féminine, sauvage, protectrice et dominatrice. 

 Un spectacle à s’offrir sans hésiter.

Pascale - Les 2M & Co

Un trio de femmes ébouriffantes occupe le devant de la scène et un homme, seul représentant de la gente masculine, les accompagne à la guitare. On se laisse embarquer au gré de leur fantaisie et de leur gaieté dans un univers amoureux qui flirte entre le badinage, les tromperies et l’amour sincère.

 C’est pétillant, parfois grivois, jamais vulgaire. Entre contrebasse, chants et claquettes le rythme est trépidant, bruyant et joyeux. L’inter action avec le public nous rend complices de leurs histoires et parfois nous fait revisiter nos moments de passion ou de désillusion.

Quand le musicien interprète avec sensibilité une des plus belles chansons d’amour du récital français, on savoure ce moment de poésie où l'émotion est palpable travers ce spectacle ces femmes à la maturité épanouie renvoient une image de la féminité où l’âge n’est pas un handicap mais plutôt un atout.

 Allez prendre une brassée d’amour ça fait du bien!

Yolaine - Les 2M & Co