ENVIE DE CULTURE    AVIGNON

 Sarah CARRE auteure de la pièce nous amène à travers ce joyeux conte vers la découverte des forces de la parole quand on sait à la fois la prendre et la céder pour pouvoir s’écouter et créer ensemble.

La scénographie est d’une fabuleuse originalité. Des cartes géographiques délimittent la scène et le lieu magique, ce qui permet à ce spectacle de se produire en tout lieux.

Les comédiens Salim-Éric ABDELJALIL et Antoine LAUDET interprètent avec brio leurs personnages par leurs mots mais aussi leurs chansons, leurs dessins, leurs gestes , leurs mimiques Ils sont pétillants de joie et enchanteurs. Un merveilleux duo burlesque, débordant d'imagination,  entraînant le public dans la joie, le rire mais aussi l’émotion.

A voir absolument, enfants et parents en sortent réjouis.

Mireille -Les2M & Co

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C ’est un comique de situation hors pair. Au rythme d’une musique originale, cette pièce nous plonge dans la folie  de la nature humaine quand la passion amoureuse nous fait perdre la raison et nous pousse à agir de façon incontrôlable.

’Amor’ le plus puissant des moteurs de vie, ’À mort’ son irrémédiable fin sont les deux thèmes essentiels traités avec vérité dans des situations qui subliment la réalité et nous empoignent avec vigueur. Les excellents comédiens jouent plusieurs rôles ,  de vraies compositions où chacun déploie sa panoplie de facettes avec délectation et pour notre plus grand plaisir.

 Qu’ils soient touchants, effrayants, surprenants tous les personnages incarnent les avatars diaboliques de nos propres personnalités avec beaucoup d’humour.

C’est un véritable tourbillon de scènes dont on voudrait qu’elles ne s’arrêtent pas.

Saluons l’écriture incisive, grinçante, intelligente et audacieuse ainsi que la mise en scène formidable et inventive.

Un spectacle audacieux, catarthique et surtout très drôle à s’offrir absolument !

Pascale - Les 2M & Co

Sans un mot mais avec une expressivité désarmante, les artistes s' inspirent de  l’un des chefs-d’œuvre de Chaplin, Les Lumières de la ville, en rendant hommage à d 'autres séquences emblématiques — du match de boxe à la scène du restaurant — dans une mise en scène toute en finesse et en clins d’œil.

La quête éperdue de Charlot pour offrir à la vendeuse de fleurs aveugle la possibilité de recouvrer la vue devient ici un fil rouge d’une poignante humanité.

La véritable magie de Lights on Chaplin réside dans sa capacité à faire parler le silence. Les gestes, les regards, les postures disent tout — l’amour, le désespoir, la colère, la joie fugace — tandis que le piano live, interprétant les musiques originales des films, vient rythmer chaque scène avec une précision et une émotion justes.

Ce théâtre muet, mais ô combien touchant, fait naître les sourires autant qu’il fait monter les larmes aux yeux. On rit, on s’émeut, on se laisse porter par ce voyage délicat en noir et blanc, qui n’a pourtant rien de terne : il est solaire, profondément humain, résolument poétique.

Lights on Chaplin est un OVNI théâtral, un hommage sensible et intelligent à l’univers de Chaplin. Un instant suspendu qui ouvre les cœurs et nous rappelle, en toute simplicité, la beauté des gestes les plus modestes et le bonheur des émotions partagées.

Michelle invitée des 2 M & Co

Écrite et interprétée par Lydia Cherton, cette pièce est une confidence murmurée, un poème dramatique, une traversée intérieure où la beauté naît des failles.

Dès les premiers instants, on sent que La Force du coquelicot ne cherchera pas l'effet, mais l'authenticité. Le décor est simple, minéral. Un vélo renversé. Une jeune femme à terre. Un homme qui s’approche. Il s’appelle Félix. Elle, Julie. Ils ne se connaissent pas.

Le dialogue qui s’engage entre eux oscille entre le réel et le symbolique, le visible et l’indicible. Peu à peu, les mots pansent les silences, et les fêlures deviennent langage. Le coquelicot — cette fleur qui pousse sur les terrains blessés — devient alors un magnifique motif poétique : celui de la résilience discrète, mais puissante.

Le texte de Lydia Cherton est d’une grande précision poétique, sans jamais tomber dans l’abstraction. Chaque phrase semble polie par l’émotion, comme un galet façonné par l’eau du temps. Il y a là une attention rare au rythme, au souffle, à la densité du non-dit. La langue épouse les contours de l’âme, avec douceur et pudeur.

Certaines répliques résonnent longtemps après la représentation. Comme un murmure intérieur. Comme une blessure qui cicatrise.

Sur scène, Lydia Cherton (Julie) et Julien Joerger (Félix) incarnent avec une grande sensibilité ces deux êtres suspendus au bord du vide. Les regards, les silences, les ruptures de ton sont autant d’ondes fines qui traversent le public.

On est ému sans qu’on nous y force, pris par la main sans jamais être tiré. C’est là l’élégance rare de cette pièce : elle fait confiance à notre intelligence sensible.

La mise en scène de Bruno Banon est d’une belle retenue. Elle sait se faire oublier pour mieux révéler la profondeur du texte et du jeu. Les lumières, le décor projeté discret et organique, forment un univers onirique, presque méditatif. Tout est là pour accompagner, sans envahir.

Pascal les 2 M & Co

Porté par la voix off d’une petite fille, ce voyage intérieur explore avec une justesse bouleversante le tumulte des émotions.

Joie, peur, colère, tristesse, émerveillement : tout est là, exprimé avec grâce, sans jamais sombrer dans le didactique ou le convenu.

Au contraire, le spectacle parle aux cœurs et aux sens, sans détour ni artifice.

Les projections lumineuses, les peintures soyeuses, les jeux d’ombres et de lumières construisent un univers visuel d’une rare finesse. Le ciel s’invite sur les murs, la mer s’étire dans un souffle, la pluie murmure, la peur du loup surgit d’un coin d’imaginaire...

Et puis, il y a ces exclamations drôles, inattendues, qui font éclore les sourires. Tout rebondit, tout respire, tout vit – sous les yeux émerveillés des enfants et sous le regard attendri de leurs parents.

Et que dire de l’explosion finale des couleurs ? Un arc-en-ciel d’émotions, une apothéose sensorielle qui vient conclure ce moment suspendu avec une intensité lumineuse. On sort de "Dedans moi" un peu sonné, le cœur gonflé, comme après avoir reçu une caresse ou un secret précieux.

Un spectacle rare, où l'on touche du doigt la poésie pure.

Un petit bijou de sensibilité, un instant de grâce qui réconcilie avec le monde – et avec soi-même.

Michelle invitée des 2 M & Co

Ce qui frappe, au-delà de la sincérité du texte, c’est la complicité entre les deux artistes. La musique, présente tout au long du spectacle, ne se contente pas d’accompagner : elle dialogue avec les mots, les soutient, les prolonge. Un regard, une respiration, une note – tout est écoute.

Autre force du spectacle : les vidéos d’archives projetées en fond de scène. Entre films familiaux et actualités d’époque, elles donnent chair à l’histoire et inscrivent l’intime dans une mémoire collective, coloniale et postcoloniale.

La mise en scène sobre et délicate de Gad Bensalem laisse toute la place à l’émotion.

On ressort ému, touché, apaisé. Un spectacle humble, juste, profondément humain.

Pascal les 2M&Co

Le titre donne le ton : ici, pas de jargon universitaire ni de théorie sur la prison, la réinsertion ou la fonction savante du regard. Juste une femme qui entre en détention avec des reproductions de tableaux sous le bras, pour animer des ateliers d’écriture. Et ce sont les voix des détenu·es qui prennent le relais : leurs réflexions, leurs émotions, leurs souvenirs déclenchés par un Van Gogh, un Hopper ou un Basquiat.

Caussimon, seule sur scène, nous restitue ces fragments de pensée avec une douceur désarmante. Elle incarne, sans forcer, ceux qui souvent n’ont jamais pris la parole en public. Il ne s’agit pas de jouer à leur place, mais de porter leur voix. Et ça bouleverse.

Le dispositif est simple : des images projetées, une comédienne, et les mots récoltés. Mais la magie opère. Parce qu’il y a dans ces textes une fulgurance inattendue. Un détenu voit dans un tableau un souvenir de jeunesse volé. Un autre invente une histoire d’amour à partir d’un détail. Ce qu’ils perçoivent des œuvres est profondément singulier — parfois drôle, parfois tragique. Mais toujours profondément humain.

Ce regard décalé, éloigné des codes muséaux et des interprétations savantes, redonne au geste artistique toute sa vitalité première : celle de créer du lien, d’éveiller une émotion, de provoquer une pensée.

On pourrait reprocher au spectacle son absence de dramaturgie classique. Pas d’intrigue, pas de montée dramatique, peu de ruptures rythmiques. C’est vrai. Mais ce serait passer à côté de l’essentiel : Je n’ai pas lu Foucault est une écoute mise en scène. Une tentative délicate de faire place à des voix qu’on n’entend jamais, sans les trahir.

Il y a quelque chose de profondément apaisant dans ce refus du spectaculaire. Le théâtre ici ne cherche pas à « faire », mais à transmettre. Et ça, c’est rare.
Si vous êtes curieux·se d’un théâtre de l’intime, d’une forme douce et dépouillée qui interroge notre manière de regarder les autres et les œuvres, Je n’ai pas lu Foucault est un petit bijou d’humanité à découvrir.

Pascal les 2M&Co

L’ idée de la pièce est d’une fabuleuse originalité : percevoir un homme, ses difficultés, ses sentiments et ses émotions à travers le fonctionnement de ses organes.

Le décor est d’une grande simplicité, ce qui met le jeu du comédien sans arrêt en pleine «  lumière » William RAGEAU a une prodigieuse présence sur scène. Il joue avec son public, il l’entraîne dans ses pérégrinations corporelles.  Il passe de l’humour, de l’ironie à l’émotion, à la gravité avec justesse et finesse. Quelques longueurs malgré un seul en scène drôle et touchant où il se raconte .

Allez y, plongez dans un corps humain où les organes sont les personnages !!

On nous parle d’amitié, de résilience et d’amour avec humour.

Une belle leçon de vie !!

    «  A cœur vaillant, rien d’impossible «  

Mireille-  Les2M & Co

Dès les premières minutes, le ton est donné avec une adaptation musicale du Pont Mirabeau de Guillaume Apollinaire. Cette ouverture, aussi inattendue que réussie, est une véritable étude  pertinente et lumineuse du poème, qui fait entrer le spectateur en  douceur dans l’univers à la fois érudit et léger du spectacle. Joubert parvient à conjuguer avec brio la poésie  et la composition contemporaine, avec une inventivité joyeuse.

Ce qui frappe, c’est cette capacité rare à mêler  finesse, humour et émotion, sans jamais tomber dans le didactisme pesant. Le spectacle s’adresse à tous les publics avec une bonhommie désarmante. On rit, on s’émeut, on apprend… et surtout, on participe, dans le sens le plus ludique du terme : celui d’un public  qui joue le jeu  et qui s' implique de bonne grâce dans l’aventure de la création.

Julien Joubert, en véritable passeur de musique, nous guide avec bienveillance et malice à travers les chemins de la composition. Il partage ses astuces, ses élans, ses doutes parfois, mais toujours avec cette joie communicative qui transforme chaque instant en plaisir partagé. Sa complicité avec le public est palpable, et la scène devient un espace d’expérimentation libre, joyeux et inspiré.

Au final, "Tout le monde écrit des chansons" est bien plus qu’un spectacle : c’est un moment de  créativité, de poésie et de musique vivante. On en ressort le cœur léger, l’esprit inspiré… et avec, pourquoi pas, l’envie  d’écrire à son tour sa propre chanson.

Un spectacle réjouissant, fin et profondément généreux, à ne pas manquer.

Michelle et Pascal les 2M&Co