Célèbre comédie dramatique britannique de Willy RUSSEL.

C’est la rencontre de deux personnages issus de milieux très différents. Peu à peu, une véritable relation s’établit entre eux, doux mélange de mentorat et d’amitié. Rita apprivoise le professeur étriqué et lui, révèle à elle-même une autre Rita.

Cette pièce drôle et tendre questionne l’accès à la culture, le pouvoir de l’éducation et l’identité personnelle.

Dans un délicieux décor cocon, le bureau de Frank, une vraie bibliothèque avec de vrais livres,  les échanges vont bon train, on rit, on réfléchit, on s’émeut.

On s’attache à  ces deux personnages que tout oppose pourtant. Les deux comédiens sont formidables, incarnent leur rôle avec excellence, tellement sincères et subtils dans leur jeu.

Ne ratez pas ce délicieux Pygmalion. Vous allez tomber sous le charme des comédiens et vous offrir une jolie surprise.

Pascale - les 2M & Co

Parier sur l’Iliade pour captiver un public d’aujourd’hui, il fallait oser. Clara Jauvart-Lacoste l’a fait. Et avec HUBRIS, elle réussit un coup de théâtre : transformer une épopée mythologique vieille de trois millénaires en une fresque humaine, brûlante d’actualité et viscéralement moderne.

Un souffle nouveau sur les cendres de Troie.
Pas d’adaptation scolaire ici, mais une réinvention audacieuse. HUBRIS n’est pas L’Iliade, c’est son ombre portée, son revers intime. L’histoire se concentre sur le camp grec, loin du tumulte troyen, pour mieux sonder les âmes. On y croise Achille, figure orgueilleuse rongée par sa quête de gloire, Patrocle, incarnation lumineuse de l’humilité, Thétis, mère déchirée, et surtout deux femmes autrefois réduites au silence par le mythe : Briséis et Chryseïs, puissantes, blessées, sublimes.

Le texte, ciselé et profond, conjugue lyrisme antique et fulgurances contemporaines. Il fait résonner la guerre d’hier avec celles d’aujourd’hui, sans jamais forcer le trait. La pièce ne nous parle pas seulement de Troie : elle nous parle de nous, de notre hubris collective, de nos rapports au pouvoir, à la famille, au pardon.

La distribution est sans faute. Louis Djabali (Achille) brûle la scène d’une intensité sombre et magnétique. Corentin Gérold bouleverse en Patrocle, frère d’âme et de cœur. Cécile Garnier (Briséis) et Léa Michelot (Chryseïs) incarnent deux visages de la douleur et de la résistance avec une justesse rare. Quant à Clara Jauvart-Lacoste elle-même, en Thétis, elle impose une présence grave, nuancée, déchirante.

Le duo de soldats, tour à tour poétiques, naïfs ou lucides, apporte une respiration salvatrice au cœur du chaos, sans jamais trahir la profondeur du propos.

Tout ici est pensé avec une intelligence scénique remarquable : la tente blanche unique qui devient palais, camp, tombeau ; les lumières dignes d’un film ; la bande sonore électronique, organique, presque rituelle, qui traverse la pièce comme une fièvre. Le moment où la tente s’effondre, arrachée par Achille, est un choc visuel et symbolique d’une force rare.

Le contraste entre dépouillement scénique et richesse émotionnelle donne à HUBRIS une densité peu commune. C’est beau, fort, cruel, lumineux.

HUBRIS est plus qu’une réussite artistique : c’est un cri. Une œuvre d’autrice, de troupe, de convictions. Une tragédie pour notre époque, où les héros vacillent, où les femmes parlent enfin, où la guerre n’est plus légendaire mais profondément humaine.

À Avignon, où les propositions abondent, certaines brillent plus que d’autres. HUBRIS est de celles-là. Ne la manquez sous aucun prétexte.

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Sur scène une poétesse, BRIGITTE DERUY et une musicienne, MATHILDE STERNAT un duo qui fonctionne à la perfection où les mots sont en connexion avec la musique.

Elles nous proposent un voyage intérieur entre science et spiritualité pour explorer notre humanité dans ce qu’elle a de pire comme de meilleur.

Dans une atmosphère étrange et mystérieuse le propos nous interroge sur ce monde consumériste qui occulte l’essentiel et ne nous autorise pas à accueillir l’invisible. 

Les textes sont d’une poésie bouleversante, les intermèdes musicaux au violoncelle leur donnent résonance et harmonie.

La scénographie est inventive avec une recherche esthétique dans le décor, les jeux de lumières éclairent les personnages de manière contrastée et mettent en valeur les costumes .Les vidéos projetées en arrière scène étayent le récit et le rendent encore plus vivant.

Les deux comédiennes sont magnifiques, la voix de Mathilde est angélique et la poétesse  nous apparaît dans une robe blanche comme une créature éthérée.

Un spectacle qui nous élève et touche au plus profond de nous mêmes. On en sort étourdi comme sur un petit nuage. 

Le message véhiculé reste un message d’espoir et  il est important dans un monde en souffrance en perte de sens .

Yolaine - Les 2M & Co

Accueillis dès l’entrée dans la très belle cour de spectacle du Roi René, un serveur nous remet la carte alléchante, digne d’un grand restaurant.

On choisit ce que l’on mange alors pourquoi pas ce que l’on regarde ?

3 comédiens et musique live au plateau. Vous allez assister à un délicieux spectacle plein de grâce, de folie et d’esprit, faire une expérience gustative de choix. Chaque service est soigneusement mis en scène, transitions, costumes, contrepèteries et jeux de mots nous plongent dans un univers mêlant Théâtre et restaurant. La jeune troupe relève avec brio et inventivité le défi fou de s’adapter selon les desiderata du public, et ce à un rythme effréné et nous régale d’une performance millimétrée derrière la légèreté.

Un spectacle goûteux à ne pas manquer si vous aimez varier les genres et découvrir plusieurs textes dans la même soirée.

Offrez-vous ce délicieux moment d’excellence, dynamique, ludique et accessible en famille.

Pascale - Les 2M & Co

Al incarne Alceste avec rigueur classique, tandis que Célie enchaîne tous les autres rôles avec inventivité et énergie.

Un dispositif vif, ludique et remarquablement ingénieux. 

Rigueur et fantaisie : alexandrins respectés, saynètes contemporaines réjouissantes.

Un spectacle qui réinvente les classiques, brise les murs entre passé et présent, et célèbre la passion du jeu. 

Le spectacle établit des parallèles entre les situations de la pièce et celles du monde contemporain, notamment en explorant la jalousie et le désir de possession d’Alceste, qui font écho aux questionnements actuels autour du couple, du respect de l’autre et de la liberté individuelle.

Pascal - les 2M & Co

Martin, marin fruste et impulsif, sauve un homme d 'une bagarre et, par ce geste, entre par effraction dans un monde auquel rien ne le prédestinait : celui d’une aristocratie américaine corsetée, brillante, mais rigide. À travers son regard émerveillé puis désabusé, on découvre la violence feutrée d’une société hermétique à tout métissage social. Son amour pour Ruth, la sœur de l’homme qu’il a sauvé, devient le moteur d’une métamorphose. Il se forge une âme d’écrivain à force de lectures, de solitude, de sueur et de mots.

Mais l’ascenseur social n’est pas une réalité pour tous. Et dans cette Amérique du début du XXe siècle, qui ressemble par trop d’aspects à la nôtre, les portes restent closes aux audacieux venus d’en bas. Les humiliations, les rejets, les renoncements s’accumulent, jusqu’au moment où, ironie cruelle, le succès, la célébrité et l’argent arrivent... mais trop tard. Ruth revient, mais Martin ne veut plus de ce monde frelaté : il préfère se dissoudre dans l’abîme, emportant avec lui ses rêves et sa douleur.

La mise en scène est d’une grande finesse : le jeu d' ombres chinoises, la lumière naturelle de la cour du Roi René, le décor sobre mais suggestif, donnent à l’ensemble une dimension onirique, presque hantée. Les moments musicaux, très réussis, ponctuent le récit d’une énergie contemporaine, notamment grâce à une chanson aux accents offensifs, qui ancre ce texte classique dans notre présent troublé. On entend, dans le cri de Martin, l’écho amer de tant d’autres, d’hier comme d’aujourd’hui.

Les comédiens, intenses et totalement engagés, habitent leurs rôles avec une justesse remarquable. Ils portent cette critique âpre d’une société cloisonnée avec une humanité bouleversante. From Martin to Eden n’est pas seulement une histoire d’amour contrariée ou de réussite sociale : c’est une tragédie moderne, un miroir tendu à nos propres impasses sociales. Un grand moment de théâtre.

Michelle - invitée les 2M & Co

Un cri incandescent d’amour, de poésie et de révolte!

Construit avec une remarquable fidélité à la langue des deux poètes – leurs poèmes, lettres, textes, mais aussi des documents d’archives rares – le spectacle nous plonge dans la chair vive de cette passion aussi féconde qu’auto-destructrice et, en parallèle celle  de Paul et Mathilde ,tout aussi  ravageuse. Une langue superbe, ciselée, incandescente, qui donne à entendre toute la modernité de ces voix du XIXe siècle, toujours aussi bouleversantes et dérangeantes aujourd’hui.

Mais la pièce va bien au-delà de la simple évocation biographique. Elle nous ancre dans un contexte historique brûlant, celui de la Commune de Paris,  un an auparavant dont les idéaux, les luttes, les violences et les espoirs résonnent étrangement avec notre époque. On y parle déjà de précarité, de marginalisation, d’homophobie, de violences faites aux femmes, de luttes féministes et sociales. Tout ce que le XIXe a semé et que notre XXIe continue de récolter.

Sur scène, quatre comédien·nes habité·es, entièrement livré-es à leurs personnages, s’engagent corps et âme. Leur jeu  à la fois sensible et charnel, est d’une rare sensualité, tout en tension, en souffle, en violence parfois, mais toujours dans une justesse bouleversante. Ils font vibrer la complexité des émotions, la tendresse brute, le désir à vif, la cruauté aussi. Verlaine s’y dévoile dans toute sa dualité : amoureux éperdu et homme violent, mari tendre devenu destructeur. Le contraste entre les "Illuminations" des premiers émois et la descente passionnelle vers  "Une saison en enfer" est saisissant.

On sort de "Rimbaud- Verlaine : Violences" à la fois sous le charme et sous le choc. C’est un théâtre de la brûlure, du souffle, du verbe et du corps. Un théâtre qui dit l’amour dans ce qu’il a de plus beau et de plus ravageur. Un moment rare, essentiel, qui fait entendre la poésie comme une urgence et le théâtre comme un lieu de vérité.

Michelle invitée - Les 2M & Co

Le duo d’acteurs, auteurs‑interprètes de leur propre création, déploie une intensité rare. Leurs incarnations sont saisissantes, émouvantes et honnêtes : un théâtre profondément humain, qui frappe et résonne longtemps. Comme le relève une critique, « les deux comédiens sont géniaux. Ils vivent leur texte : prêts pour aimer »  . Le public sort bouleversé, questionné, car cette pièce « nous oblige à réfléchir sur notre propre vie »  .

La mise en scène de Jérôme Jacob‑Paquay, sobre mais efficace, installe avec précision l’univers trouble des protagonistes. Soutenue par une bande‑son soignée – notamment une scène marquante chorégraphiée sur “Alors on danse” de Stromae – elle contribue à l’énergie dramatique et à l’immersion sensorielle  .

Ce spectacle est aussi un manifeste en faveur du récit vivifiant : une ode aux grandes et petites histoires, portées avec passion afin de résister à l’indifférence contemporaine.
Un texte d’une grande profondeur, interrogeant notre conscience, nos choix, mais aussi notre capacité à espérer malgré tout.

En somme, Les Rossignols du Carnage est un spectacle à ne pas manquer au Théâtre Episcène : un voyage sonore et émotionnel, puissant, intelligent, habité.

Il réaffirme la force du théâtre vivant – un chant courageux face au carnage – et nous invite, malgré tout,  croire en la puissance des histoires… et de la vie.

Car tant qu'il restera un homme pour raconter une histoire et un autre pour l'écouter, l'humanité résistera!

Pascal - les  2M & Co

Un théâtre du non-dit, profondément humain.
Ici, pas de grands effets de manche ni de morale plaquée. Gabrielle Gay signe un texte d’une rare justesse, où chaque silence dit plus que mille cris. Les jeunes personnages sont cabossés par la vie, enfermés dans des blessures qu’ils peinent à formuler. Et pourtant, à mesure que la pièce avance, ils s’ouvrent, s’expriment, dansent, jouent… et trouvent une manière d’exister autrement que dans la douleur.

La scène devient alors un espace de réparation. Grâce à Nathäelle, une éducatrice qui croit en eux envers et contre tout, ils osent peu à peu rompre le silence. La parole se fraie un chemin , maladroite, heurtée, mais essentielle. On assiste à une renaissance collective, où le théâtre devient un acte de résistance et d’amour.

Une mise en scène vivante et sensorielle

Ce qui frappe aussi, c’est la richesse du langage scénique. Le texte se mêle au corps, au mouvement, au son. Il y a des passages dansés, des jeux d’eau, des regards qui en disent long. Tout est pensé pour nous faire ressentir de l’intérieur ce que vivent ces adolescents : leur colère, leur solitude, leur humour aussi. Car malgré la gravité du sujet, "Écoutez leur silence" n’est jamais plombant. On rit, on sourit, on est ému – parfois tout cela en même temps.

La troupe, composée de comédiens jeunes et puissants, livre une performance d’une grande sincérité. Aucun rôle n’est surjoué. Chacun semble porter son personnage comme une seconde peau, avec une vérité désarmante.

Une expérience à ne pas manquer.
 L’émotion y est palpable, presque suspendue. On ressort de la salle un peu sonné, mais profondément touché.

"Écoutez leur silence" ne donne pas de leçon. Elle tend l’oreille. Elle nous apprend à écouter ce qui ne se dit pas, à regarder autrement ceux qu’on ne voit plus. Et c’est peut-être là, dans cette écoute partagée, que réside sa plus belle force.
Si vous pensez, vous aussi, que le silence a quelque chose à dire, courez-y et tendez l'oreille.

Pascal les 2M&Co