Sarah CARRE auteure de la pièce nous amène à travers ce joyeux conte vers la découverte des forces de la parole quand on sait à la fois la prendre et la céder pour pouvoir s’écouter et créer ensemble.

La scénographie est d’une fabuleuse originalité. Des cartes géographiques délimittent la scène et le lieu magique, ce qui permet à ce spectacle de se produire en tout lieux.

Les comédiens Salim-Éric ABDELJALIL et Antoine LAUDET interprètent avec brio leurs personnages par leurs mots mais aussi leurs chansons, leurs dessins, leurs gestes , leurs mimiques Ils sont pétillants de joie et enchanteurs. Un merveilleux duo burlesque, débordant d'imagination,  entraînant le public dans la joie, le rire mais aussi l’émotion.

A voir absolument, enfants et parents en sortent réjouis.

Mireille -Les2M & Co

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C ’est un comique de situation hors pair. Au rythme d’une musique originale, cette pièce nous plonge dans la folie  de la nature humaine quand la passion amoureuse nous fait perdre la raison et nous pousse à agir de façon incontrôlable.

’Amor’ le plus puissant des moteurs de vie, ’À mort’ son irrémédiable fin sont les deux thèmes essentiels traités avec vérité dans des situations qui subliment la réalité et nous empoignent avec vigueur. Les excellents comédiens jouent plusieurs rôles ,  de vraies compositions où chacun déploie sa panoplie de facettes avec délectation et pour notre plus grand plaisir.

 Qu’ils soient touchants, effrayants, surprenants tous les personnages incarnent les avatars diaboliques de nos propres personnalités avec beaucoup d’humour.

C’est un véritable tourbillon de scènes dont on voudrait qu’elles ne s’arrêtent pas.

Saluons l’écriture incisive, grinçante, intelligente et audacieuse ainsi que la mise en scène formidable et inventive.

Un spectacle audacieux, catarthique et surtout très drôle à s’offrir absolument !

Pascale - Les 2M & Co

Sans un mot mais avec une expressivité désarmante, les artistes s' inspirent de  l’un des chefs-d’œuvre de Chaplin, Les Lumières de la ville, en rendant hommage à d 'autres séquences emblématiques — du match de boxe à la scène du restaurant — dans une mise en scène toute en finesse et en clins d’œil.

La quête éperdue de Charlot pour offrir à la vendeuse de fleurs aveugle la possibilité de recouvrer la vue devient ici un fil rouge d’une poignante humanité.

La véritable magie de Lights on Chaplin réside dans sa capacité à faire parler le silence. Les gestes, les regards, les postures disent tout — l’amour, le désespoir, la colère, la joie fugace — tandis que le piano live, interprétant les musiques originales des films, vient rythmer chaque scène avec une précision et une émotion justes.

Ce théâtre muet, mais ô combien touchant, fait naître les sourires autant qu’il fait monter les larmes aux yeux. On rit, on s’émeut, on se laisse porter par ce voyage délicat en noir et blanc, qui n’a pourtant rien de terne : il est solaire, profondément humain, résolument poétique.

Lights on Chaplin est un OVNI théâtral, un hommage sensible et intelligent à l’univers de Chaplin. Un instant suspendu qui ouvre les cœurs et nous rappelle, en toute simplicité, la beauté des gestes les plus modestes et le bonheur des émotions partagées.

Michelle invitée des 2 M & Co

Écrite et interprétée par Lydia Cherton, cette pièce est une confidence murmurée, un poème dramatique, une traversée intérieure où la beauté naît des failles.

Dès les premiers instants, on sent que La Force du coquelicot ne cherchera pas l'effet, mais l'authenticité. Le décor est simple, minéral. Un vélo renversé. Une jeune femme à terre. Un homme qui s’approche. Il s’appelle Félix. Elle, Julie. Ils ne se connaissent pas.

Le dialogue qui s’engage entre eux oscille entre le réel et le symbolique, le visible et l’indicible. Peu à peu, les mots pansent les silences, et les fêlures deviennent langage. Le coquelicot — cette fleur qui pousse sur les terrains blessés — devient alors un magnifique motif poétique : celui de la résilience discrète, mais puissante.

Le texte de Lydia Cherton est d’une grande précision poétique, sans jamais tomber dans l’abstraction. Chaque phrase semble polie par l’émotion, comme un galet façonné par l’eau du temps. Il y a là une attention rare au rythme, au souffle, à la densité du non-dit. La langue épouse les contours de l’âme, avec douceur et pudeur.

Certaines répliques résonnent longtemps après la représentation. Comme un murmure intérieur. Comme une blessure qui cicatrise.

Sur scène, Lydia Cherton (Julie) et Julien Joerger (Félix) incarnent avec une grande sensibilité ces deux êtres suspendus au bord du vide. Les regards, les silences, les ruptures de ton sont autant d’ondes fines qui traversent le public.

On est ému sans qu’on nous y force, pris par la main sans jamais être tiré. C’est là l’élégance rare de cette pièce : elle fait confiance à notre intelligence sensible.

La mise en scène de Bruno Banon est d’une belle retenue. Elle sait se faire oublier pour mieux révéler la profondeur du texte et du jeu. Les lumières, le décor projeté discret et organique, forment un univers onirique, presque méditatif. Tout est là pour accompagner, sans envahir.

Pascal les 2 M & Co

Brisant le quatrième mur dès les premières minutes, elle s’adresse à nous avec une sincérité désarmante.

Le récit prend la forme d’une confidence, intime et pudique à la fois, d’une femme autrefois veuve, respectable et malheureuse, qui croise à Monte-Carlo un jeune homme rongé par le démon du jeu. Entre eux, une rencontre improbable, fulgurante, presque irréelle.

Elle est fascinée par ses mains, par leur fièvre, leur grâce quasi surnaturelle au-dessus du tapis vert. Lui, prêt à tout perdre, jusqu’à sa vie, s’il doit renoncer à sa passion destructrice. Elle, animée d’un désir profond — peut-être le dernier — de le sauver.

La mise en scène, sobre mais d’une  intelligence visuelle originale, s’appuie sur des projections vidéos subtilement intégrées : gros plans sur le jeu des mains dansant sur le tapis, castagnettes  des jetons, lueurs du casino, autant d’éléments qui enrichissent le propos sans jamais le surcharger.

Une bande sonore inventive accompagne les émotions, avec des trouvailles comme ce tambourinement des ongles sur un djembé évoquant la pluie — ou peut-être les battements d’un cœur qui s’emballe, ou  du temps qui  s accélère....

Les variations de rythme, les ruptures de ton, participent de cette immersion dans un univers intérieur en pleine tempête. Le jeu de l’actrice est  touchant  : son visage expressif, son regard habité, ses silences éloquents dessinent une femme en pleine mise à nu, oscillant entre pudeur et abandon.

24 heures est un joli moment de théâtre, sensible et sincère, porté par une comédienne investie et une mise en scène délicate. Un spectacle qui touche .

Michelle invité des 2 M & Co

Le duo d’acteurs fonctionne à merveille : le rythme est soutenu, les dialogues claquent, et l’humour, souvent mordant, fait mouche.

On rit, on sourit, on reconnaît parfois ces petits chaos du quotidien qui nourrissent — ou entravent — la création artistique. 

Mention spéciale au partenaire de scène, impeccable de justesse, qui équilibre avec subtilité l’énergie débordante de l’écrivaine, un peu trop appuyée par moments dans ses accès d' irascibilité.

Si la mécanique dramatique est bien huilée et l’écriture efficace, la chute de l’histoire, un brin attendue, n’enlève rien au plaisir que l’on prend tout au long de cette comédie vive et intelligente. Un joli moment de théâtre, qui sans révolutionner le genre, rappelle avec esprit que l’inspiration se cache parfois là où on ne l’attend pas.

Pascal les 2 M & Co

Le décor, à la fois brut et sublime, évoque un no man’s land post-apocalyptique : carcasses de voitures rouillées, fourches tronquées, dessinent un paysage mental  " de rouille et d'os", à la fois organique et métallique, où trône — ou plutôt survit — un "trône de fer" efflanqué, misérable, symbole de la vanité du pouvoir. Le lieu lui-même — la salle du Roi , ancienne chapelle  du XV -ème siècle, encore dans son jus— semble avoir été conçu pour accueillir ce cauchemar shakespearien, renforçant l'impression d’être pris au piège dans les méandres psychotiques de Richard.

À un rythme haletant, scandé par une musique électro-rock puissante et obsédante, le texte retrouve une acuité politique saisissante. Manœuvres, trahisons, assassinats méthodiques : tout dans la trajectoire de Richard résonne étrangement avec les dérives du pouvoir contemporain. C’est une marche funèbre, une lente — mais de plus en plus précipitée — descente aux enfers qui s'accélère jusqu’au chaos.

Les costumes, faits de cravates cousues ensemble, sont une trouvaille visuelle remarquable. Objets du quotidien masculin, symboles de l’autorité et de la réussite sociale, ils deviennent ici tissus d’emprisonnement, nœuds coulant sur les ambitions de chacun, linceuls colorés d’une humanité corrompue.

Mais ce qui emporte tout, c’est l’interprétation. Portée par cinq comédiennes éblouissantes, la pièce devient un tour de force théâtral. Chacune navigue avec maestria entre les rôles, les genres, les registres. Leur jeu intense, parfois presque hystérique, mais toujours juste, fait ressortir la force dramatique du texte tout en y injectant l’humour grinçant, la distance ironique et le grotesque si chers à Shakespeare. Mention spéciale à Alexiane Torres : sa voix rauque, profonde, semble venir d’un autre monde. Elle incarne un Richard terrifiant, magnétique, autant qu’il est repoussant.

En sortant, une question nous hante : sommes-nous vraiment si éloignés de ces monstres que nous croyons appartenir au passé ? Le miroir tendu par Shakespeare, dans cette mise en scène audacieuse et viscérale, nous renvoie à nos propres contradictions, à la noirceur tapie sous le vernis du pouvoir.

Un chef-d’œuvre sombre, dérangeant et nécessaire.

Michelle invitée des 2 M & Co

C’est à travers le regard des enfants que l’histoire est racontée empruntant à la fois leurs mots et leurs visions du monde, oscillant entre candeur et une maturité déconcertante.

Sur le plateau trois comédiens et un musicien qui, avec une création musicale très originale, accompagne le récit.

Le propos de la pièce est de parler des relations parents -enfants dans des situations où l’adulte est fragilisé et où l’enfant devient plus protecteur que protégé.

Le personnage de ASSA à la fois actrice et narratrice nous amène à nous questionner sur le regard que porte sur nous nos enfants et quelle part de l’hérédité familiale nous leur transmettons.

Cette pièce à double lecture s’adresse à un large public .Les éléments scénographiques blancs, jusqu'aux costumes, font preuve d'une recherche esthétique originale. L’utilisation du théâtre d’ombres crée une ambiance étrange, mystérieuse et poétique à la fois.Les changements de décor s’intègrent parfaitement dans le jeu des comédiens. Ils servent les transpositions de lieux mais aussi le rôle de la grand-mère, cette femme du terroir au bon sens populaire bien ancrée dans la réalité.

C’est dans un jeu d’une intensité bouleversante que ASSA nous livre, ses doutes, ses angoisses de petite fille qui, pour nous adultes, prennent forme de questionnement existentiel.

La scène du cauchemar est particulièrement bouleversante et fait sens dans cette histoire de transmission inter générationnelle.

 Les comédiens sont prodigieux, ils donnent énergie et puissance au spectacle qui reste léger, drôle et sensible à la fois

.Les apparitions de Yasmine toujours fracassantes apportent de la vivacité, celles de Diego du mystère.

L’écriture, sous la plume de CHARLES MAUDUIT, aborde aussi les grands thèmes de l’amitié, de la parole libératrice, de la personne ressource qu’on trouve sur son chemin. Un message d’espoir sur un sujet grave, pas souvent abordé, où l’intention n’est pas de donner des solutions faciles mais de laisser la porte ouverte à l’aide qui peut arriver sous forme « d’une main tendue ».

Plus qu’une semaine pour aller les voir et retenez bien le nom de cette compagnie elle est prometteuse!

Yolaine-Les 2M & Co

Le récit est émaillé des célèbres chansons de Cesaria EVORA 'Petit Pays' Sodade’....ainsi que Morna ,Coladeira, Funana. Magda  DESRUISSEAUX  incarne Cesaria, Cise, de sa voix envoûtante et joue son rôle avec finesse et une grâce chaloupée. Une réelle complicité rayonne avec les deux musiciens.

Avner CAMUS PEREZ, par son écriture pudique et tendre, rend hommage à Cesaria EVORA, à son talent immense trop longtemps ignoré.

Il retrace son enfance pauvre dans une famille de 7 enfants . On la voit débuter à 16 ans à Mindelo,  répertoire traditionnel de la musique capverdienne avec son fidèle guitariste. On découvre sa timidité farouche, sa candeur sauvage, son humour, sa joie, son amour pour la scène , son parcours laborieux et ébréché d’artiste. Il lui faudra attendre bien longtemps pour connaître la renommée internationale . 

 Avner CAMUS PEREZ ajoute une note personnelle émouvante à la piece : « Je l’ai côtoyée pendant dix ans, bien avant qu’elle soit connue, elle a bercé mes enfants » nous confie t’il. Il lui concocte avec cette pièce un bel hommage vibrant.

Ne manquez pas ce petit bijou pour retrouver la Divine Diva, sa tendresse insulaire et vous laisser vibrer au son de sa voix.

Pascale - Les2M & Co