ENVIE DE CULTURE    AVIGNON

Tout commence au lendemain d’un drame. Maria, sublime et muette, traverse son village armée d’un Smith & Wesson pour retrouver l’homme qui l’a agressée.

Une  traversée, une quête, une traque. Et tout le village — littéralement — la suit, emporté malgré lui dans cette odyssée vengeresse. Le public est happé dès les premières secondes par la voix unique du narrateur, haletante, ininterrompue, incantatoire.

Un souffle qui ne faiblit jamais, un chant d’un seul tenant, à la manière d’un griot ou d’un chœur antique moderne.

Maria ne parle pas. Et pourtant, on la connaît intimement. Son enfance, ses secrets, ses blessures, sa sensualité, ses absences, sa rage contenue, son mystère, sa solitude sublime… tout cela est restitué par la parole du narrateur, qui incarne à lui seul tout un village : les ouvriers, les footballeurs, le club des  chasseurs, celui des motards, les commerçants, la vieille institutrice, l’amoureux secret, la" meilleure amie", les commères, les invisibles solidaires, les parents de Maria, la mère de l agresseur ....et j'en oublie. C’est un seul en scène multiple, une partition chorale offerte par une seule bouche — prodigieux tour de force d’interprétation et d’écriture.

Et la scène se peuple peu à peu. Des costumes suspendus apparaissent, flottants, fantomatiques mais incarnés, formant un chœur silencieux mais éloquent, qui entoure Maria, commente ses choix, l'encourage, la juge, la critique ou la soutient. On est entre tragédie grecque,  le western biblique, et  la fable cathartique, le tout accompagné par une musicienne protéiforme qui peut, selon le moment, jouer de l' accordéon ou du violoncelle ou du piano. C’est brûlant, drôle parfois, surtout déchirant.

Et puis, il y a cette image finale, gravée dans la rétine : Maria, reine d’une procession inattendue, figure christique d’un nouveau genre, qui entraîne dans son sillage  tout un peuple en marche — non vers la croix, mais vers une justice à elle, implacable, organique, furieuse...face à Angelo, le couillon.

On sort de ce spectacle lessivé, bouleversé, admiratif. La mise en scène, précise, poétique, radicale, épouse à merveille le texte et son urgence. L’interprète est saisissant, entre puissance brute et tendresse infinie. Et le texte, incandescent, dit quelque chose de rare sur la communauté, la colère, la sororité, et la possibilité du soulèvement.

La sœur de Jésus Christ n’est pas un simple spectacle. C’est une chevauchée sauvage, un cri, une prière, une révolte. C’est un miracle de théâtre.

Michelle invitée des 2 M & Co                    pdf 🖨️

Dès les premières minutes, le ton est donné. Exit le décor d’époque et les perruques poudrées : le metteur en scène et comédien Tigran Mekhitarian choisit de plonger Argan dans un univers contemporain, tendu, presque urbain. L’hypocondrie devient ici le reflet d’un mal-être existentiel, ancré dans notre époque : peur de vieillir, besoin de contrôle, tyrannie affective.

Mais que les amoureux de Molière se rassurent : le texte original est là, respecté, ciselé… et transcendé. Les alexandrins claquent, les répliques font mouche. Et pourtant, le spectacle respire la modernité à chaque instant. L’intelligence de cette adaptation, c’est de jouer avec les codes sans jamais les trahir.

Ce qui frappe, c’est la force du rythme : musique live sur scène (guitare, percussions), chansons originales qui oscillent entre slam, rap et ballade poétique, mouvements chorégraphiés… On ne regarde pas seulement une pièce, on vit une expérience.

Les comédiens sont tous d’une justesse rare : six artistes sur scène, un souffle collectif, une complicité palpable. Mention spéciale à la comédienne qui incarne Toinette, malicieuse, brillante, et à Marine, qui donne à Angélique une fraîcheur et une détermination très actuelles.

 On rit, on s’attendrit, parfois même on est saisi par l’émotion.
Au-delà du plaisir de spectateur, cette version du Malade Imaginaire nous tend un miroir : l’obsession de la santé, le patriarcat en crise, les injonctions familiales, la quête d’autonomie des jeunes femmes… Autant de thèmes qui, dans cette mise en scène, trouvent une résonance très contemporaine.

Loin d’être une leçon ou un simple exercice de style, la pièce questionne notre époque, avec finesse et humour. Elle nous rappelle aussi que le théâtre, quand il est bien fait, n’a pas besoin d’être poussiéreux pour être fidèle.

Pascal les 2 M & Co                 pdf 🖨️

C’est un théâtre rare, de ceux qui prennent le temps. Le temps d’écouter, de ressentir, de s’émouvoir. Enfants Fantômes donne voix à ceux qu’on ne voit pas, ou qu’on ne veut plus voir : les enfants oubliés, déplacés, blessés, invisibles.

À travers cinq tableaux, la pièce tisse les récits d’êtres fragiles mais lumineux. Il ne s’agit pas de faire pleurer dans les chaumières : ici, la douleur n’est jamais gratuite, elle est transformée. Sublimée.

C’est aussi un théâtre qui fait confiance aux jeunes comédiens, et cela se sent. Ils jouent juste. Sans fard. Leur présence sur scène est bouleversante de sincérité. Ils ne surjouent pas : ils témoignent.

Agnès Delcourt signe un texte délicat. On sent, derrière chaque mot, un profond respect pour les histoires qu’elle raconte. Le personnage de Florence, journaliste en quête de sens, agit comme un miroir pour le public. Elle observe, écoute, questionne – sans jamais juger. Et dans cet espace d’attention, les voix s’élèvent, les silences aussi.

Le texte est épuré, percutant, et d’une grande justesse émotionnelle.

Pas besoin de grands artifices ici. La mise en scène mise tout sur la présence et la voix. Quelques éléments visuels, une musique discrète signée Léonard Delcourt, et surtout beaucoup de respect pour l’espace du spectateur. On respire avec les personnages. On écoute, on s’interroge. On sort de là un peu changé.

Ce qui m'a plu c'est l’équilibre entre le grave et le tendre, entre le témoignage et l’imaginaire, entre les enfants et les adultes. On ne se sent pas accablé en sortant. On se sent réveillé. Enfants Fantômes ne donne pas de leçon, il donne envie d’ouvrir les yeux. D’écouter ceux qu’on n’entend jamais. Et surtout, de croire encore à la force des récits partagés.

En sortant de L’Incongru, le silence de la salle résonnait encore en moi. Les enfants fantômes n’étaient plus invisibles. Ils étaient là, debout, vivants, lumineux. Et je les remercie.

Pascal les 2 M & Co                     pdf   🖨️            

Portée par le jeu fort, juste et d’une grande sensibilité de Valérien Moutawe et Nicolas Moisy, cette mise en scène signée Luca Franceschi nous embarque dans une quête d’identité vertigineuse, entre mémoire, filiation et responsabilité.

Les rôles secondaires évoluent dans un ballet fluide, au sein d’un décor sobre mais évocateur, qui épouse la douleur des personnages.

Les mots sont durs, mais nécessaires. Ils bouleversent autant qu’ils libèrent. Ce théâtre-là ne juge pas, il questionne. Il résiste, au nom de la liberté d’expression et de la justice.

 Alors que Boualem Sansal lui-même est aujourd’hui réduit au silence, cette œuvre devient un acte politique, un cri de vie contre tous les totalitarismes.

On en sort remué, un peu groggy.. Un moment de théâtre rare, indispensable qui nous fait nous sentir plus humains.

A ne pas rater

Pascal les 2 M & Co

 Sarah CARRE auteure de la pièce nous amène à travers ce joyeux conte vers la découverte des forces de la parole quand on sait à la fois la prendre et la céder pour pouvoir s’écouter et créer ensemble.

La scénographie est d’une fabuleuse originalité

Les comédiens Salim-Éric ABDELJALIL et Antoine LAUDET interprètent avec brio leurs personnages par leurs mots mais aussi leurs chansons, leurs dessins, leurs gestes , leurs mimiques Ils sont pétillants de joie et enchanteurs. Un merveilleux duo burlesque entraînant le public dans la joie, le rire mais aussi l’émotion.

A voir absolument, enfants et parents en sortent réjouis.

Mireille Les2M&Co

Le rythme s’emballe, les destins basculent. Le théâtre se fait alors plus politique, plus poignant.

Ce n’est plus seulement une histoire de femmes, c’est une ode à leur résistance. Une mise en lumière de vies oubliées, rejetées, mais ô combien puissantes.

Une troupe en état de grâce

Difficile de détacher les yeux de la scène. Chaque comédienne (et un comédien également, dans plusieurs rôles finement dosés) semble littéralement habiter son personnage. Les dialogues sont ciselés, jamais démonstratifs, souvent drôles, parfois glaçants. La complicité entre les actrices donne une force rare aux scènes d’ensemble, certaines dignes d’un chœur antique, mêlant danse, chant et texte avec une fluidité remarquable.

La mise en scène, signée Agnès Chamak et Odile Huleux, allie la sensualité du cabaret à la rigueur du théâtre engagé. On passe d’un éclat de rire à une boule dans la gorge sans transition. Le tout est porté par une musique originale et une lumière subtile qui épouse les états d’âme de ce microcosme féminin.

Au-delà de la reconstitution historique, La Nuit du 14 parle d’aujourd’hui. Des femmes qui, hier comme aujourd’hui, n’ont pas toujours le droit d’exister librement.

 Le spectacle ne tombe jamais dans le misérabilisme. Il préfère la dignité au pathos, l’émotion brute à la leçon militante.

Et c’est sans doute ce qui le rend si puissant.

On sent une urgence dans cette écriture. Une volonté de dire, de rendre justice, de raconter l’invisible.

La pièce est aussi une déclaration d’amour au théâtre lui-même : cet art fragile mais vital qui permet, en une heure vingt, de changer notre regard sur le monde.

Pascal les 2 M & Co

C ’est un comique de situation hors pair. Au rythme d’une musique originale, cette pièce nous plonge dans la folie  de la nature humaine quand la passion amoureuse nous fait perdre la raison et nous pousse à agir de façon incontrôlable.

’Amor’ le plus puissant des moteurs de vie, ’À mort’ son irrémédiable fin sont les deux thèmes essentiels traités avec vérité dans des situations qui subliment la réalité et nous empoignent avec vigueur. Les excellents comédiens jouent plusieurs rôles ,  de vraies compositions où chacun déploie sa panoplie de facettes avec délectation et pour notre plus grand plaisir.

 Qu’ils soient touchants, effrayants, surprenants tous les personnages incarnent les avatars diaboliques de nos propres personnalités avec beaucoup d’humour.

C’est un véritable tourbillon de scènes dont on voudrait qu’elles ne s’arrêtent pas.

Saluons l’écriture incisive, grinçante, intelligente et audacieuse ainsi que la mise en scène formidable et inventive.

Un spectacle audacieux, catarthique et surtout très drôle à s’offrir absolument !

Pascale - Les 2M & Co

Écrite et interprétée par Lydia Cherton, cette pièce est une confidence murmurée, un poème dramatique, une traversée intérieure où la beauté naît des failles.

Dès les premiers instants, on sent que La Force du coquelicot ne cherchera pas l'effet, mais l'authenticité. Le décor est simple, minéral. Un vélo renversé. Une jeune femme à terre. Un homme qui s’approche. Il s’appelle Félix. Elle, Julie. Ils ne se connaissent pas.

Le dialogue qui s’engage entre eux oscille entre le réel et le symbolique, le visible et l’indicible. Peu à peu, les mots pansent les silences, et les fêlures deviennent langage. Le coquelicot — cette fleur qui pousse sur les terrains blessés — devient alors un magnifique motif poétique : celui de la résilience discrète, mais puissante.

Le texte de Lydia Cherton est d’une grande précision poétique, sans jamais tomber dans l’abstraction. Chaque phrase semble polie par l’émotion, comme un galet façonné par l’eau du temps. Il y a là une attention rare au rythme, au souffle, à la densité du non-dit. La langue épouse les contours de l’âme, avec douceur et pudeur.

Certaines répliques résonnent longtemps après la représentation. Comme un murmure intérieur. Comme une blessure qui cicatrise.

Sur scène, Lydia Cherton (Julie) et Julien Joerger (Félix) incarnent avec une grande sensibilité ces deux êtres suspendus au bord du vide. Les regards, les silences, les ruptures de ton sont autant d’ondes fines qui traversent le public.

On est ému sans qu’on nous y force, pris par la main sans jamais être tiré. C’est là l’élégance rare de cette pièce : elle fait confiance à notre intelligence sensible.

La mise en scène de Bruno Banon est d’une belle retenue. Elle sait se faire oublier pour mieux révéler la profondeur du texte et du jeu. Les lumières, le décor projeté discret et organique, forment un univers onirique, presque méditatif. Tout est là pour accompagner, sans envahir.

Pascal les 2 M & Co

Sans un mot mais avec une expressivité désarmante, les artistes s' inspirent de  l’un des chefs-d’œuvre de Chaplin, Les Lumières de la ville, en rendant hommage à d 'autres séquences emblématiques — du match de boxe à la scène du restaurant — dans une mise en scène toute en finesse et en clins d’œil.

La quête éperdue de Charlot pour offrir à la vendeuse de fleurs aveugle la possibilité de recouvrer la vue devient ici un fil rouge d’une poignante humanité.

La véritable magie de Lights on Chaplin réside dans sa capacité à faire parler le silence. Les gestes, les regards, les postures disent tout — l’amour, le désespoir, la colère, la joie fugace — tandis que le piano live, interprétant les musiques originales des films, vient rythmer chaque scène avec une précision et une émotion justes.

Ce théâtre muet, mais ô combien touchant, fait naître les sourires autant qu’il fait monter les larmes aux yeux. On rit, on s’émeut, on se laisse porter par ce voyage délicat en noir et blanc, qui n’a pourtant rien de terne : il est solaire, profondément humain, résolument poétique.

Lights on Chaplin est un OVNI théâtral, un hommage sensible et intelligent à l’univers de Chaplin. Un instant suspendu qui ouvre les cœurs et nous rappelle, en toute simplicité, la beauté des gestes les plus modestes et le bonheur des émotions partagées.

Michelle invitée des 2 M & Co